Quand on quitte la sécurité de la « boîte noire » du théâtre ou des arches d’un festival pour s’attaquer à l’espace urbain à ciel ouvert, les repères classiques de la mise en scène éclatent. Ce que propose la compagnie espagnole ZENIT Aerial Ballet avec son spectacle Aria – capté ici lors du FIAV (Festival Internacional de las Artes Vivas) dans les arènes de Bogotá – est une véritable leçon de machinerie et d’architecture chorégraphique.
Ici, le plateau terrestre n’existe quasiment plus. C’est une grue mobile de très haute capacité qui fait office de cintre virtuel, déplaçant une immense structure géométrique d’où sont suspendus les interprètes. Ce qui interpelle immédiatement d’un point de vue technique, c’est l’exigence imposée à la motorisation, qui doit s’effacer derrière la fluidité organique des acrobates. En enchaînant des figures complexes (comme ce monumental « X » géométrique suspendu à plusieurs dizaines de mètres), les artistes ne se contentent pas de flotter : ils construisent des volumes temporaires dans le vide absolu de la nuit.
Du point de vue de l’ingénierie événementielle, le défi d’intégration est impressionnant. Il ne s’agit pas seulement d’élinguer des interprètes en toute sécurité, mais d’embarquer une charge utile complexe en mouvement. Ce « dôme » (ou soucoupe) central dissimule de la motorisation interne pour modifier les lignes de vol, des projecteurs à LED asservis, des générateurs de brouillard et des systèmes de largage (artifices ou confettis métallo-plastiques), le tout alimenté et piloté sans fil ou via un ombilical parfaitement masqué depuis la régie sol. C’est la quintessence de la production en milieu « outdoor » extrême, où l’on déplace le cœur névralgique de la salle de spectacle directement au bout d’un câble d’acier.
L’effet le plus saisissant de cet extrait reste la création de ce monumental cylindre de lumière rouge. Pour un concepteur lumière travaillant dans un stade à ciel ouvert, le principal ennemi est la perte d’énergie visuelle. Comment créer de l’intimité et focaliser l’attention de dizaines de milliers de spectateurs quand il n’y a ni plafond ni murs ? La réponse apportée ici est purement architecturale. En saturant la verticale de fumée et en la perçant d’une large douche zénithale ultra-puissante, la direction artistique bâtit une architecture de photons. La scène n’a plus besoin de sol ou de pendrillons physiques : l’espace de jeu est délimité par ce mur lumineux tangible. Les danseuses évoluent à l’intérieur d’une chambre virtuelle éphémère et protectrice.
Il faut également s’arrêter sur la précision de la dramaturgie technique. Au moment où les corps des interprètes (équipés de costumes autoéclairés) se verrouillent pour former ce grand sablier lumineux, la structure supérieure libère instantanément une cascade d’étincelles en son centre. La machine ne se contente plus de porter les artistes de manière utilitaire, elle réagit à leur géométrie. C’est une démonstration magistrale de l’évolution de la production très grand format : la disparition totale des frontières entre l’art du rigger, la pupitration lumière et la chorégraphie, au service d’une scéno-mécanique implacable.
